JUSTIFICACION.
El
arte del dibujo y la pintura es una
forma de aprender a relajarse, esto nos
ayuda a poner en práctica nuestras habilidades, destrezas, imaginación y
creatividad.
Con
el arte del dibujo y la pintura se
aprender a dibujar diferentes formas geométricas con los cuales se le comienza
a dar forma a un dibujo y a demás se
diferenciar los colores
primarios, secundarios, terciarios, cuaternarios, fríos y cálidos. Ha
iluminar y sombrar las obras de arte o pinturas.
A
través de la formar de pintar se puede saber si una persona esta relajada o
tensa dependiendo de los colores que le ponga al dibujo que se esta pintando.
OBJETIVO.
Con este curso de
capacitación se pretende enseñar y orientar a los participantes a que aprendan
la técnica del dibujo y la pintura de
forma teórica y práctica para que puedan
desarrollara sus habilidades y destrezas así como poner en práctica su
capacidad artística. Para que en el futuro lo puedan implementar en su vida
laboral.
TÉCNICA DEL DIBUJO Y LA
PINTURA.
HISTORIA DEL DIBUJO.
El
ser humano siempre ha tenido la necesidad de representar todo lo que le rodea,
encontrando en el dibujo, el medio más ameno para realizar este deseo. Los
primeros dibujos se remontan en el Paleolítico Superior, hace 35.000 años,
cuando el Homo sapiens representaba
sobre las superficies rocosas de las cuevas o sobre la piel de los abrigos,
animales que cazaba. Un ejemplo de esta manifestación artística lo encontramos
en las pinturas rupestres de las cuevas de A, a, en Cantabria (España).
Más
tarde, los egipcios supieron valerse de este arte para decorar las
construcciones más imponentes de la historia; las pirámides. Había pasado miles
de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se había pasado de la
composición monótonal y estática de la prehistoria al equilibrio, minuciosidad
y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios. Ahora
hacia falta detallar la figura de los dioses para agradecerles el esplendor del
imperio egipcio.
Habría
que avanzar hasta el S.VI a.C. para encontrar, en los griegos los máximos
representantes del equilibrio en el dibujo. Preocupados por centrarse en la
expresión cándida humana, la despojan de todo abalorio o connotación
sobrenatural, consiguen centrarse y obtienen las proporciones consideradas armónicas
hasta el momento. He aquí la unidad y avenencia entre la realidad y la figura.
Los
Romanos, 500 años después aportaron la diversidad que faltaba. Mantener otro
imperio sobre un territorio tan extenso precisaba de un ejército y una
disciplina ejemplar para subyugar a tantas culturas diversas sobre el mismo
mando. Eso, facilitó, en cierta parte, el abandono de lo artístico y ornamental
para acercarse a una doctrina más práctica y útil para esa época; hacían falta
sólidas edificaciones con las que mantener la autoridad sobre los continuos
ataques de los invasores. Obtuvieron en el dibujo el medio para reflejar lo que
serían las próximas construcciones. Surgieron los primeros planos y con ellos
nació la arquitectura. El dibujo técnico ya precisaba de mayor técnica y
conocimientos matemáticos que lo que se había forjado hasta el momento.
La Edad Media, S.VIII-S.XV, es donde se
conservan un numero mayor de obras integras. Durante esta etapa predominan las
representaciones vivaces. Vuelve a imponerse la espectacularidad y los
aderezos, sin dar oportunidad a actuar al color; simplemente es el trazo el
encargado de marcar el detalle. La invasión árabe introduce un revolucionario
soporte para el dibujo y la pintura: el papel. Invención china que facilitará que
la ilustración deje se ser una actividad exclusiva de monjes sobre pergaminos
de cañas y piel, para convertirse en algo más alcanzable para la población. Es
a partir de ese momento cuando se puede manifestar el fulgor del color. Cabe
destacar, también, la introducción al uso de la pluma metálica o la tinta como
la conocemos actualmente.
Desde
Italia y avanzando entre la etapa gótica, segunda mitad del S.XV, el
Renacimiento se desarticula de lo religioso. Ahora lo importante es reconocer
la belleza y saberla expresar. Basándose en la civilización artística
grecorromana (renace lo antiguo), vuelve a imponerse lo natural y escueto. Los
magnates se dejan reflejar sus bustos en multitud de retratos. De la mera
decoración arrinconada, el desnudo femenino empieza a adueñarse de los temas
principales en las creaciones y se vuelve al estudio de la figura humana. El
dibujo asciende a lo volumétrico gracias a las nuevas técnicas de coloreado. El
juego de luces y sombras, junto con la perspectiva, acerca aún más la realidad
al dibujo. Una manifestación de artistas demuestran este nuevo desarrollo: el
Greco, Miguel Ángel, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci.
Éste
último destaca sobre los demás por su afán de investigación. Recoge bajo sus
obras estudios de anatomía, invención de artilugios y una nueva manera de
utilizar la iluminación en el dibujo. El esfumato disipa la línea cerrada del
contorno del dibujo para aumentar de profundidad y con ello, lo que se persigue
desde entonces: el acercamiento a lo natural. Por tanto el dibujo deja de ser
algo espontáneo y subjetivo para convertirse en una verdadera disciplina.
El
Barroco, que se estira hasta el S.VII, utiliza hasta la exageración todos los
recursos aportados durante el Renacimiento para expresar desde la calamidad de
la pobreza hasta lo fastuoso de la riqueza. Se rompe le rectitud y la
uniformidad en las representaciones pictóricas y se intenta al máximo conmover
y atraer al espectador.
A
partir del S.XIX se rompe la continua uniformidad que había seguido el dibujo y
se bifurca en multitud de estilos: romanticismo, realismo, impresionismo,
expresionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, surrealismo... No obstante, todos
ellos utilizan lo aportado hasta la fecha como herramienta para expresar nuevos
enfoques de la sociedad que están viviendo.
pastel
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